絵の描き始め（油彩画）についての質問

質問

油絵は透明水彩とかと違って隠ぺい力があるのであまり下書きを細かく描かずに大まかなあたりを鉛筆や木炭でとったり薄く溶いた絵の具で簡単に描き始めたりしているのですが最初大体の色を大まかに置いていくような描き方をしています。
しかし大まかに色を置いていっている描き始めの段階では当然上手く見えるはずなどないのですが「失敗したかもしれない」と始めの段階で思ってしまいやる気が無くなったり、描き進めていく間に形がずれていたりすることがよくあります。
やはり「上手くいかなかった」と思うとやる気がなくなってしまうのですが描き進めるに何に注意して描き進めるといいでしょうか？
「油絵はあとで修正できる」と先生に言われても後から修正しようとすると器用でないのもあると思うのですが余計におかしくなったり大きさが一回り大きくなってしまったりします。

他にもある程度描けてきたときに仕上げのときにはどのような部分を描き込めばいいのかなどがわからなかったり、自然な影や色の変化が描けなかったり。
他には背景に持ってくる色や配色、一色のべた塗りだけではつまらないとは思いつつもどういう風に色を置く（筆などをつかう）と効果的か、とか色の混ぜ方（作り方）など自分で考えて身に着けていったほうがいいのはわかっているのですがなかなか上手くいかず焦っています。

基本的に何度描き込んでも効果的に前に進んでおらず何回も少し描いて０の状態にもどしてまた描いてといった感じで何回も同じところをぐるぐる回っている感じというか先に進めている感じがしないのですがこんなことを繰り返していてもスポーツで間違った練習を繰り返して悪い癖が身についてしまうのと同じようにむしろマイナスになっているのではないかと感じます。
意識の持ち方や注目すべきところなどだけでもいいのでなにかアドバイスが出来る方がいらっしゃいましたらよろしくお願いします。

回答No.5

hosidenshi

はじめまして。
　まずtappei77がどのような絵を描かれているのかがわかりませんので的の外れた回答になってしまうかもしれませんが、ご了承ください。

　たまに天気の良い日、近くの川原などで油絵を描かれている方を目にしますが、ご質問でおっしゃっていた、「最初大体の色を大まかに置いていくような描き方」をされている方がとても多いように思います。
　空・水面・船・向こう岸の風景…と大まかに色を塗っていく描き方ですが、やはり描き始めの段階で見ると正直稚拙な印象を与えるものです。(もちろん完成作はすばらしいものになるという可能性もありますが…)
　この段階でtappei様はやる気をなくされるのではないかと想像しますが、如何でしょうか？

　油絵具というのは被覆力のある不透明な画材であると勘違いされる方が非常に多いのですが、そもそも油絵具は、極めて不透明なテンペラ絵具に対して、透明度を生かした表現が可能な画材として発明され、そのゆったりとした乾燥性とともに画家たちのニーズに応えたため広く普及してきたという経緯があります。
　つまり、油絵具はそもそも透明性を生かして表現するのが本来の使い方であると言えるわけです。

　具体的には、まず固有色を初めに置きたくなるのをガマンし、なるべく丁寧にモノトーンで形と明暗を画面に作っていくことをお奨めします。
　その段階を納得のゆくまで練り直したら、指触乾燥後に柔らかい筆でオイルに溶いた油絵具を用いて固有色をつけていきます。
　もちろん薄く溶いた油絵具を何度も重ねることも可能です。青い層と黄色い層を重ねて作った緑色の表現は、緑の絵具をべったり塗るのとは全く違った深みのある色味を作り出します。

　この技法は非常に古典的なものですので、印象派のような明るく軽快な表現とは違った、重厚…悪く言えば暗めの画面になりがちではあります。
　しかしモノトーンの絵具を使って明暗を描き分けること自体が絵画の勉強としては非常に役立つことですので、一度お試しになるといいと思います。
　また、制作時間が限られている場合などに絵具を溶くオイルを適切に選ぶ必要性が生じたり、同じ量をオイルに溶いても色によって着色力が違うことが体験できることなどから、画材自体の特性を自然に体得してゆくことができる、という効果もあるかもしれません。

お礼

詳しい回答ありがとうございます。
自分の中の油絵のイメージはゴッホやモネのような感じの物だという印象が強いのと自分は不器用なので細かい作業に自信が無いというところから印象派などに近い画風を目指したのですが、そういう描き方だと最初に完成形をイメージできないのでやる気がそがれてしまっていました。