最近の漫画はキャラのバストアップばかりなのは何故？

質問

お世話になります。

時々８０年代以前のマンガを見ることがあるのですが、
コマ割りと、コマ内のキャラの専有度の違いが気になっています。

一言で言うと、昔の漫画であればあるほど、
コマ内のキャラは小さく、コマ割りも単純で余白が多いです。

最近の漫画になればなるほど、コマ間（というのでしょうか？）の
余白が小さく、コマ内のキャラが大きく描かれています。
バストアップ、または顔だけのコマが多いです。

また、それに伴い背景や、全体の動作が描かれることが少なくなったと感じます。
つまりキャラの表情・会話だけで話が進んでいっている印象です。

最新のマンガで「温泉街のメデューサ」という作品を観ましたが、
タイトルの温泉街要素は皆無で、頭がメデューサの女子高生が
友達と会話をしながら、いろいろな表情やリアクションをするだけという、
非常に最近の作品らしいと思いました。

逆に、「うる星やつら」といった昔のマンガは、初期であればあるほど
バストアップのコマは少なく、コマ内で小さいキャラが動いています。
それに伴い、背景や無生物もよく描かれ、状況もひと目でわかります。
ドタバタした全身の動きが描かれます。

こうした変化は、どういう理由で起きているのでしょうか？
若者がマンガに求めるものが変わっているのでしょうか。

そういえば「のらくろ三等兵」は単純四コマでしたが、
それに「コマ割り」の概念をもたらしたのは手塚治虫でしたが・・・

また、技術的な観点からいくと、デジタル漫画ソフトが発展し、
３Dなどをトレースすることで、アシスタントを雇わなくても
比較的簡単に背景やアクセサリを描くことができるようになったようです。
そのため漫画家は一人で作業することが多くなり、面倒な背景は
自然と省略されるようになった（背景のプロアシが減った）のでしょうか？

いずれにしても、９０年代まであった、凄い書き込みの自然風景を
見開きで描く、みたいな漫画が減ったように思います。

逆に、映画やテレビでは画面がフルHD、４Kなど高解像度化になって
一枚絵での情報量は増えていますよね。なぜ、漫画だけがそうした流れに逆光し、
キャラの表情やキャラ同士の交流のみフォーカスされるようになったのでしょうか？

私見で結構ですので、お気軽にご意見頂けましたら幸いです。

回答No.2

potatorooms · ベストアンサー

女子高生って漫画知ってます？　大島永遠さんが書いたのですが、彼女のお父さんは構図の天才と呼ばれてました。
転換点はここあたりだと思います。女子高生の構図と、バツアンドテリーあたりの構図と比較するも面白いかと。

うる星やつらまでは、1ページにいくつのギャグを詰め込むかを編集者が問っていました。なので、大ごまを使うのは限られていました。
漫画を誌面に詰め込むのは、戦中、戦後の紙不足、本の高価さの名残りです。また、安くて薄くて丈夫な紙が作れず、雑誌のページ数に限りがあったことも原因かと。
ラノベの誌面の白さを見てもこの辺の事情は分かります。
文庫本、単行本も、バブル期が終わる頃に、各社の誌面改定が進んで、文字がおおきくなり、１ページの文字数が減りました。それまでは少しでも詰め込まないと売れないと出版社は信じていたんです。新聞もその頃に似たような改定がされています。これ、教科書もです。

漫画家の表現の進化と出版社の商売の都合の両方かと。背景には、読者がお得感より読見やすさを重視した、言い換えると、部数が増えるに連れて、熱心に読む層から読みにくいと離れていく層に対象を広げてきたということかと。

お礼

ベストアンサーありがとうございます。
他の方もためになるご回答とご教授を頂きましてありがとうございました。

回答No.1

catpow

>>それに伴い背景や、全体の動作が描かれることが少なくなったと感じます。

質問者さんが想像されるように、コマ内のキャラを小さくして、背景をきっちりと書き込めば、書き込むほど、１コマ仕上げる手間と時間がかかります。

そして、「うる星やつら」もそうですし、新谷かおる氏の「ファントム無頼」とか、、大和和紀さんの「あさきゆめみし」、手塚治虫氏の「Ｗ３（ワンダースリー）」、もっと古い作品では、１９５６年の「少女クラブ」で連載された水野英子さんの「銀の花びら」なども、しっかりと背景や無生物などが書き込まれていますね。

>>こうした変化は、どういう理由で起きているのでしょうか？

漫画家さんが、自分の作品をどういう位置づけとして作っているか？読者が何を求めているか？という動機の違いが大きいのではないでしょうか？

マンガではなく、文書を書く場合でも、「自分のブログにアップする文章を書く」というのと「有名雑誌から依頼された１ページを埋めるために文章を書く」、あるいは、「長年の自分の知識・経験を元に小説を書く」という場合では、意気込みとか、事前調査、かける時間などが変りますよね？

自分のブログなら、たいした調査もしないで、気楽に数時間程度で書き上げるでしょうけど、雑誌の連載文章とか、小説となれば、しっかりした調査をして間違いがないか調べ、数週間から数ヶ月、小説なら数年くらいの期間を想定して書くでしょう。

たとえば、歴史ものが多い、大和和紀さんであれば、仕事場は多数の文献などの資料が山のようにあるでしょうが、質問者さんが例にあげた「温泉街のメデューサ」を描いている著者は、そんな膨大な資料を用意するなんて考えてないでしょうし、当然、マンガの調査・資料にかかるお金も時間も、あまり大きなものとは考えてないでしょうね。

「公衆便所の壁に書く落書き」程度と思ってマンガを描くのか、後世にまで読み継がれる芸術作品と思ってマンガを描くのか、その意気込みの差ではないかと思います。

同時に、読者としても、マンガを読むのに、「単なる時間潰し作品」なのか「すばらしい芸術作品」と思うかによる差もあるでしょう。

柴田昌弘氏は、「この作品の続編を求める声も多いけど、緻密な帆船が描けるアシさんがもういないから、続編は描けない」なんてことを文庫版のあとがきに書かれていました。
でも、背景を気にしない作家さんであれば、問題なく続編が描けるでしょうね・・・。

>>漫画だけがそうした流れに逆光し、キャラの表情やキャラ同士の交流のみフォーカスされるようになったのでしょうか？

時代の流れでしょうか？たとえば、昔の、大田区産業会館とか晴海で開催されていたころのコミケであれば、「私の作品を見てください！」という雰囲気がサークルに溢れていたものです。
でも、現在のビッグサイトで開催されるようになったコミケでは、「グッズはどうですか！」っていう商業主義、効率主義、金儲け主義が強くなった気がして、足が遠のきました。（まあ、年齢とともに、コミケに行くパワーが無くなったともいえますが・・・）
ちなみに、最近のアニメ作品は、本編はどうでもよくて、グッズとか、キャラで遊ぶネタになれば良いという考え方もあるそうですが、そうなれば、キャラの絵さえよければ、本編のストーリなんてどうでもいい話になりますからね。

作品の大きな方向性は雑誌の編集長や担当さんが決めるものだと思いますし、漫画家さんは、彼らの求めるような作品を描くしかないでしょう。
「背景が少ない白いコマ」といえば、紡木さんの「ホットロード」が思い浮かびますが、あの作品がヒットしたことで、担当さんが「あんな作画でもいい」って流れができてしまったのかな？なんて思えてきます。